Carlos Sánchez Viamonte

El joven pintor Rafael Alberti recibió hace ahora 100 años el Premio Nacional del Poesía por Marinero en tierra. Sus inicios en el arte de vanguardia se desplazaron entonces de la pintura a la poesía. Con la intención de llevarlo a la imprenta, fue a recoger en el Ministerio uno de los ejemplares mecanografiados que había enviado al concurso. Encontró entonces una papeleta con el voto de Antonio Machado: “Mar y tierra, Rafael Alberti, es a mi juicio el mejor libro de poemas presentado al concurso”. Ese voto afirmó para siempre la fraternidad poética entre un maestro y un joven autor que buscaba su propio mundo. Aunque fuese un mago de las formas, ese mundo tuvo siempre que ver con un contenido de búsqueda profunda, una indagación en la condición humana condenada con mucha frecuencia al exilio y el desarraigo. Por eso, antes de publicar el libro, cambió el título de manera significativa. En vez de Mar y tierra, se decidió por Marinero en tierra.

Gracias a la generosidad de la familia de Rafael, me refiero a su hija Aitana y su sobrina Teresa, la Caja de las Letras del Instituto Cervantes guarda entre sus legados los pasaportes con los que María Teresa León y Alberti volvieron a España en 1977, después de 38 años de exilio. Pueden verse ahora en la sala de exposiciones del Instituto, junto a otros recuerdos de nuestra cultura. Me emociona ver documentos oficiales y manuscritos, fotografías y libros, tan llenos de vida. La cultura es la mayor riqueza de una sociedad, la herencia que nos define y da sentido a nuestra convivencia.

Rafael Alberti fue uno de los grandes poetas del exilio español. No se trata sólo de que se viese obligado a abandonar España junto a María Teresa cuando la República española fue derrotada en 1939 por los ejércitos de Hitler, Mussolini y Franco. Siempre había sido un marinero en tierra, un desenterrado del mar, un ángel caído, alguien que buscó la dignidad humana mientras se sentía expulsado del paraíso, víctima de una sociedad injusta, dentro o fuera de su patria. La experiencia de 1939 fijó en la realidad un sentimiento que años antes había vivido como ser humano en Marinero en Tierra o Sobre los ángeles (1929): “Paraíso perdido, /perdido por buscarte, / yo, sin luz para siempre”.

Esa conciencia de lo perdido y de la fragilidad de los sueños le ayudó a definirse en la búsqueda, a representar un estilo de estar ante los estilos, entre la tradición y la vanguardia, entre Góngora y Quevedo, entre Machado y Juan Ramón Jiménez, sin caer en las banderías estéticas negadoras de la diversidad. Fue una lección. Y otra lección fue negarse, incluso en su momento de compromiso político más ardiente, a someterse para siempre al mandato de unas consignas. Nunca renunció a la belleza y a la búsqueda de emociones por encima de los panfletos.

Cuando Rafael dejó Argentina para acercarse a Europa en los años 60, supo que lo que dejaba en América formaría parte de él, como había sido parte de su presente la España perdida bajo una dictadura. Y cuando dejó Roma en 1977, junto a María Teresa, con los pasaportes que hoy se muestran en el Instituto Cervantes, supo que Roma formaba ya parte de él. También supo que no podía aspirar a vivir dentro de la España que había dejado 38 años antes. Las realidades cambian con la historia. Por eso dio una lección más. Abrió los ojos a la España más joven, a la amistad con poetas que había empezado a escribir a finales de los años 70.

Tuve la suerte de vivir una amistad muy estrecha con Rafael. Tuve la suerte de sentir a su hija Aitana y a su sobrina Teresa como parte de mi familia. Y ahora tengo la suerte de entenderme con la vida gracias a lo que me enseñan en sus libros los poetas más jóvenes, palabras que me ayudan a entender el mundo de hoy. La mejor herencia de Alberti tiene muy poco que ver con los derechos de autor. Se trata de una memoria que nos compromete con el futuro. Bendito marinero en tierra.

Luis García Montero

Infolibre, 29 de junio de 2024

Retrató a los protagonistas de la escena cultural latinoamericana y fue la más pujante promotora de un arte que colocó en un lugar central; con María Elena Walsh formó una pareja de intelectuales brillantes, cuyo legado protege la flamante fundación que lleva los nombres de ambas.

Si a la fotografía argentina hubiera que ponerle un nombre de mujer, ese sería sin dudas el de Sara Facio, una de las personalidades que más hizo por el surgimiento, el desarrollo y la institucionalización de una disciplina a la que dedicó casi setenta años de trabajo. Fotógrafa, curadora, periodista y editora, destacada por sus retratos de personajes de la cultura latinoamericana y por su labor en la promoción de la fotografía, la artista murió esta tarde, a los 92 años, confirmaron a La Nación desde el entorno familiar y la Fundación María Elena Walsh-Sara Facio. Hace un mes, esa entidad -que cuidaba y administraba el legado de Walsh- incorporó también la obra de Facio. Durante cuarenta años, formaron una pareja de intelectuales brillantes.

Había llamado la atención, en abril, la ausencia de la fotógrafa durante la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, cuando se presentó un volumen con textos de Walsh sobre el feminismo a modo de homenaje. Había estado internada por problemas del corazón. Hoy, tras la noticia de su fallecimiento, la presidenta de la fundación, Graciela García Romero, dijo a La Nación que la artista “se fue apagando de a poco, un proceso natural, de la vejez”. El velatorio será mañana, pero estará reservado a familiares y amigos.

Los muchachos peronistas mirando a cámara

Facio fue la fundadora de varios de los hitos en la historia de la disciplina en el país: creo la primera editorial especializada, La Azotea; entre 1985 y 1998 dirigió la Fotogalería del Teatro San Martín de Buenos Aires, primer espacio dedicado a esta disciplina; conformó el patrimonio nacional, al donar la mayor colección de fotos al Museo Nacional de Bellas Artes en 1998, al que más tarde también legó su biblioteca; fue miembro fundadora del Consejo Argentino de Fotografía, en 1979, junto con sus colegas Alicia D’Amico, Eduardo Comesaña, Andy Goldstein, Annemarie Heinrich, María Cristina Orive y Juan Travnik, con el objetivo de difundir y estudiar la fotografía nacional y abrir diálogos con la producción internacional. Junto a D’Amico, creó secciones especializadas en los diarios Clarín, La Nación (1964-1974), y las revistas Autoclub, Fotomundo y Vigencia. Facio luchó por sacar a la fotografía del ámbito de los fotoclubs. Lo hizo, entre otras cosas, desde la redacción de notas de divulgación técnica y reseñas de exposiciones en importantes diarios y revistas nacionales.

En su vida tuvo un propósito: la labor constante por la legitimización de la fotografía dentro del mundo del arte. Ya puede descansar en paz. Con el esfuerzo de toda su vida logró elevar la dignidad de este medio. “¡Una militancia! Siempre digo cuando me preguntan si no milito: sí, soy militante de la fotografía. Porque, además, soy mujer, como habrás notado. Las mujeres siempre somos menos”, dijo en una de las últimas entrevistas. “No hay duda de que Sara Facio es una de las personas más destacadas y complejas de la historia de la fotografía argentina”, escribió su colega Ataúlfo Pérez Aznar en el libro que dedicó a su obra en Ediciones Larrivière.

Jorge Luis Borges, mago del suspenso y del lenguaje, retratado por Facio

Su currículum llena páginas con más de 500 exposiciones, en forma individual en museos y galerías de toda América, Europa y Asia. Desde 1968 ha publicado más de veinte libros personales: amaba ese formato para la edición de fotografías. Sus páginas siguen con todos los premios recibidos, las muestras que curó y siete cuadritos que se convirtieron en sellos postales. Pero quizá lo más significativo no esté en la enumeración de tantos logros, sino en la cantidad de imágenes que deja la mujer que supo convertir en iconos a figuras de la cultura argentina y latinoamericana, a la vez que posó su mirada en la gente común, que abrió las puertas a la explosión de la fotografía de autor en la Argentina.

Cortázar con el cigarrillo entre los labios, Borges en su biblioteca, Neruda taciturno en su casa, las mil y una sonrisas de su amada María Elena Walsh, los muchachos peronistas mirando a cámara, los chiquitos con la ñata contra el vidrio que hielan el corazón... Hay decenas de imágenes suyas que ya están inscriptas en la memoria colectiva.

Su obra se vio en los últimos años revisitada en exposiciones como Perón, en Malba en 2018, y los homenajes por sus noventa años en 2022, en el Bellas Artes y el CCK. Entre las históricas, las que hizo junto con Alicia D’Amico fueron excepcionales: las únicas argentinas en presentar una exposición individual en el Centro Pompidou de París con la muestra de Escritores latinoamericanos. Lo mismo sucedió con la exposición de Buenos Aires y su gente, que fue la primera muestra individual de fotógrafos argentinos en Brasil, en el Museu de Arte Moderna de San Pablo. Posteriormente, parte de los libros Buenos Aires, Buenos Aires y Humanario se exhibieron en la Tsukada Gallery de Tokio. Las muestras Humanario -un relevamiento llevado a cabo en 1966 sobre el estado crítico de los nosocomios nacionales-, La vuelta de Perón y Funerales de Perón debieron esperar al gobierno democrático para exponerse, en 1985, en el contexto de 25 años de fotografía en el Centro Cultural Recoleta.

Julio Cortázar con el cigarrillo entre sus labios, un retrato emblemático de 1967

Nacida en San Isidro, el 18 de abril de 1932, desde sus 14 años, Facio estudiaba el arte en el museo mayor. Pero la relación profesional con el Bellas Artes comenzó cuando acercó la propuesta de conformar una colección de fotos, que en la actualidad cuenta con más de 1500 imágenes. Desde su creación en 1998 hasta 2012, la artista estuvo a cargo de gestionar el crecimiento de este acervo. En esas décadas, además, realizó otras cinco donaciones al museo de piezas de su colección particular. La última fue en 2014 y dio lugar a la muestra Latinoamérica, que también contó con su curaduría. Facio donó el 25% de sus fotos al patrimonio del Bellas Artes. En 2022, cedió su biblioteca personal, constituida durante sesenta años en los que trabó vínculos con artistas e instituciones de todo el mundo a partir de su actividad como fotógrafa, editora y gestora cultural. Son mil volúmenes dedicados a la historia del medio, colecciones especializadas y ensayos fotográficos.

Facio estaba formada en bellas artes, obtuvo el grado de Profesora Nacional de Bellas Artes en 1953. Dos años más tarde, viajó a París para estudiar artes visuales con una beca del gobierno francés: fue en ese viaje compartido con Alicia D’Amico, otra futura gran fotógrafa, cuando una cámara de fotos cayó en sus manos. Al regresar a Buenos Aires, el padre de Alicia, fotógrafo profesional, las incentivó a interiorizarse en ese arte. En 1957, comenzó a practicar fotografía en el estudio de Luis D’Amico. Con ayuda del Fondo Nacional de las Artes, Facio logró comprar su primera cámara fotográfica profesional. Con la tutoría de Annemarie Heinrich, se sumergió en el fotoperiodismo, al que se dedicó durante muchos años.

Entre 1960 y 1985, compartió estudio con Alicia D’Amico. Juntas decidieron tomar fotos de Buenos Aires, que recorrían en su Fiat 600. Buenos Aires Buenos Aires, publicado en 1968, marca un antes y después en su carrera, y en la fotografía argentina. La exhibición de 30 obras originales como marco de la presentación del libro, que iba a inaugurarse en la sede de Avenida Corrientes del Museo de Arte Moderno en 1968, fue suspendida, y fue la primera muestra fotográfica censurada en la Argentina, probablemente por el texto de Julio Cortázar, quien tiempo antes había criticado –desde París– a la dictadura militar de esa época. Sudamericana había publicado el libro con una condición: que Julio Cortázar escribiera el texto. Y escribió: Sara y Alicia han fotografiado Buenos Aires con un soberano rechazo de temas monumentales, e itinerarios pintorescos o insólitos; sus imágenes nacen de algo que participa de la caricia, de la queja, de la llamada, de la complicidad, de la amarga denuncia, todos los gestos interiores de una sensibilidad coincidiendo con la razón estética para que cada apertura sobre la ciudad tenga algo de velo de la Verónica, de lino enjugando una cara mojada por la vida.

“A los dos o tres días de ese primer encuentro, como estaba convencido de que las fotos no iban a salir, me dijo: Vamos a la Unesco, así hacés algunas fotos. Él estaba trabajando como traductor, y ahí fue donde le saqué esa foto que le gustaba tanto y que me dijo que tenía que ser su foto oficial”, recordaba Facio. Es la foto de Cortázar fumando, el ceño apenas fruncido... icónica.

Sara Facio y María Elena Walsh, una pareja de intelectuales brillantesSara Facio

“Sara pretendía, a partir de la inserción y desarrollo de su obra en su tiempo, promover la comprensión de la evolución de la fotografía como medio de expresión en el país y sus aportes, no solo a partir de sus propias imágenes, sino como autora y posteriormente como editora, curadora y crítica”, señaló Pérez Aznar, estudioso y testigo de su vida y obra.

Recibió numerosos premios, entre otros, el que otorga la Federación Internacional del Arte Fotográfico de Suiza; el Konex de Platino (1992) como Mejor Fotógrafa Argentina de la década; en 2011 fue nombrada Ciudadana Ilustre de Buenos Aires, y en 2019, galardonada con el Premio Nacional a la Trayectoria Artística, que otorga el Ministerio de Cultura de la Nación. Es también autora de un libro sobre la historia de su disciplina: La fotografía en la Argentina: desde 1840 a nuestros días.

Sus obras integran las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, además de prestigiosos acervos particulares.

Las nueve décadas

Cumplió 90 años en 2022 y tuvo una torta de tres pisos en el Bellas Artes y después otra en el hall del Teatro San Martín. “Yo no sé si todos tienen consciencia de cómo cambio la vida de nosotros, los fotógrafos, a partir de la movida de Sara en el San Martín y en el MNBA”, dijo Julie Weisz en el primer festejo. Después, Facio vio su obra proyectada en las pantallas de los teatros de avenida Corrientes y en el Obelisco, y cumplió el viejo anhelo de una muestra callejera con imágenes en la vía pública en cuatro barrios, Recoleta, San Telmo, Congreso y Microcentro. “Ningún homenaje sería en verdad suficiente para destacar tantos años dedicados a la fotografía. Dicho de otro modo, es impensable no vivir en un estado de permanente agradecimiento hacia su figura. ¿Acaso sería posible la existencia de una feria especializada en fotografía sin el trabajo institucional que Sara realizó a lo largo de los años noventa? ¿Qué museos comprarían fotografías si no hubiese luchado tanto por la incorporación de este medio a sus colecciones patrimoniales? “, escribió el curador Francisco Medial cuando se le rindió tributo en Pinta BAPhoto, y se exhibieron planchas de negativos y una de sus serie menos vistas, los Autopaisajes, representación fragmentaria de sí misma y de la naturaleza.

Sara repartía sus días entre su casa y su estudio, que siguió teniendo por separado en la calle Paraguay, abocada con pasión al cuidado del legado de su compañera de vida, desde la Fundación María Elena Walsh. Ya hacía tiempo que había dejado de tomar fotos. Alguna vez escribió una especie de epitafio: “Lo que yo hago en fotografía es para lograr que el día que me muera no digan que se murió una vaca sino que se murió una persona que vio eso. Y lo que yo vi está en mis fotos. Como si dijera: «Esta es mi ciudad, mi gente, la que admiro, la que me gusta». Ese es mi canon.” Murió una persona que vio la vida que transcurría ante sus ojos.

María Paula Zacharías

Diario La Nación, 18 de junio de 2024

En nuestro catálogo

Su libro Leyendo fotos puede econtrarse en nuestro catálogo.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el fotógrafo Robert Capa acompañó a los Aliados en su incursión en las playas de Normandía. Consiguió salir, pero las imágenes que capturó estuvieron a punto de no hacerlo.

Un soldado se arrastra por las olas. A sus espaldas, una embarcación de guerra se cierne sobre el mar. La imagen es borrosa, reflejando el movimiento caótico de la escena real: el Día D.

La icónica fotografía de Robert Capa de un soldado en el mar capta a escala humana una de las batallas decisivas de la Segunda Guerra Mundial. El 6 de junio de 1944 (hace ahora 80 años) la guerra alcanzó un punto de inflexión cuando 160 000 soldados aliados irrumpieron en las playas de Normandía, en lo que se convertiría en la mayor invasión marítima de la historia.

Los hombres anegados que nadaron, tropezaron y se arrastraron hasta la costa francesa aquel día iban armados con fusiles, y Capa iba armado con su cámara. Se convirtió en el lente que permitiría a millones de civiles contemplar los horrores de la guerra. Pero aunque el fotógrafo sobrevivió a la batalla, sus fotografías estuvieron a punto de no hacerlo.

¿Quién era Robert Capa y qué tipo de fotografías realizaba?
A los 30 años, Robert Capa, nacido en Hungría, ya era un veterano fotoperiodista cuyo trabajo había atraído la atención internacional. Sus fotografías de la Guerra Civil española reflejaban la brutal realidad del conflicto y el heroísmo de los combatientes republicanos antifascistas.

Su experiencia en España le hizo conocer íntimamente los riesgos que conllevaba la fotografía de guerra. Su compañera Gerda Taro, otra fotoperiodista, fue asesinada en 1937 mientras documentaban el conflicto en España.

Y ahora, contratado por la revista Life, Capa dirigió su objetivo hacia el norte de Francia, donde la invasión planeada por los Aliados pretendía cambiar el rumbo de la Segunda Guerra Mundial. Alemania ocupaba Francia desde 1940, y si los Aliados lograban liberar al país de las garras nazis, podrían liberar a Europa Occidental.

Capa escribió en sus memorias de 1947, Slightly Out of Focus (Ligeramente desenfocado), que optó por unirse a la primera oleada de tropas que desembarcaron en Omaha Beach. Como primera línea de la invasión, estas tropas soportarían el peso de las fuertes defensas alemanas.

El fotoperiodista sabía que se arriesgaba a morir. La División Aliada de Relaciones Públicas le pidió que redactara un testamento antes del Día D, e incluso había escrito una carta de despedida a su familia, por si acaso.

Captura de la invasión: cómo fue el trabajo de Robert Capa durante el Día D

En la madrugada del 6 de junio, Capa se unió a los soldados en un bote de desembarco con destino a Omaha Beach. A cien metros de la orilla, todos saltaron al agua hasta la cintura, vadeando hacia la playa mientras esquivaban el fuego alemán.

Como recuerda en sus memorias, “las balas agujereaban el agua a mi alrededor”.

Cuando por fin llegó a la playa, se mantuvo agachado para escapar de las balas que zumbaban sobre su cabeza. Los cadáveres se amontonaban a su alrededor. Lo único que podía hacer era seguir haciendo fotos, incluida la del soldado solitario agazapado en el mar.

Capa nunca identificó al hombre, pero es probable que la foto represente a Huston S. Riley, un soldado de Washington. También se ha propuesto como figura al soldado estadounidense Edward K. Regan.

El fotógrafo de guerra calculó que, tras una hora y media, había agotado su película… y a sí mismo. Rodeado por la explosión de proyectiles, empezó a temblar. Hizo autostop para salir de la playa con una lancha de desembarco que acababa de llevar a un grupo de médicos.

Escapó con vida, pero miles de tropas aliadas no tuvieron tanta suerte. Al final del día, más de 4000 habían fallecido.

Por qué solo existen unas pocas fotos de Robert Capa del Día D
El reportero escribió que había tomado 106 fotografías en varios carretes, que envió a la oficina de Londres de la revista Life. Sin embargo, la historia cuenta que, con las prisas por imprimir las imágenes, casi todos los negativos se destruyeron accidentalmente en el cuarto oscuro al sobrecalentarse un armario de secado.

Sin embargo, algunos han puesto en duda esta historia y partes del relato de Capa sobre el Día D. El crítico de fotografía A.D. Coleman cuestionó posteriormente las afirmaciones del fotoperiodista, llegando a la conclusión de que tal vez solo estuvo en la playa el tiempo suficiente para tomar un puñado de fotografías. El desastre del cuarto oscuro, argumentó, nunca ocurrió.

Ocurriera lo que ocurriera, el resultado fue el mismo: solo sobrevivieron 11 negativos, como aclararía más tarde John Morris, editor de fotografía de Life.

Las fotografías que sobrevivieron siguen dando forma a la manera en que el mundo recuerda el Día D. El director Steven Spielberg incluso se inspiró en ellas para la escena del Día D en una de sus películas más aclamadas.

Sin embargo, ninguna de las imágenes que Capa tomó el 6 de junio captó el Día D como la del soldado arrastrándose por las olas. Puso un rostro humano al acontecimiento histórico: un soldado (con una expresión de concentración y determinación) cumpliendo con su deber en medio del infierno.

Parissa Djangi

National GeographicNational Geographic, 6 de junio de 2024

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