El viernes 9 de abril a las 20 horas, junto con la apertura de la Temporada 2010 del Cineclub La Rosa, inauguramos nuestra segunda exposición: fotografías sobre Nueva York por Daniel Leotta.

El Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte presenta la exposición de fotografías de Daniel Leotta, "16 clichés de la misma manzana". La muestra se inaugurará el viernes 9 de abril a las 20 horas, en Austria 2154, y podrá visitarse hasta mediados de mayo, en los horarios de atención al público y de actividades.

Sobre la muestra
Cliché es aquello que se define por su ausencia, por su vacío esencial.

La fotografía no es el acto de rescatar ni preservar. Es hacer evidente, entender y exorcizar esa ausencia fundamental que la define.

De muchas maneras, todas las fotografías son de viajes. Fotografiar es moverse afuera de uno.

Única forma de hacer visible un itinerario preciso, que no resulte un mapa.

Única forma de mostrar a otros ese cambio de lugar y tiempos, que jamás volverá a ser.

Sobre el autor
Daniel Leotta nació en 1958. Desde 1980 hace fotografía profesionalmente, aunque comenzó a fotografiar mucho antes.

Ha participado en muestras individuales y colectivas en nuestro país y en el exterior.

Su actividad se desarrolla en el campo de la fotografía publicitaria y cinematográfica.

Participó en diferentes proyectos editoriales y es docente en su especialidad.

Vive en Buenos Aires.

El blog del Cineclub La Rosa ha cambiado su aspecto. Los invitamos a darse una vuelta para redescubrirlo, y de paso ir conociendo más sobre el inicio de la Temporada 2010, el viernes 9 y sábado 10 de abril a las 20 hs. www.cineclublarosa.blogspot.com

A turma
Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes configuraron la célula esencial de la Bossa Nova alrededor de la cual se tejió un movimiento con muchos otros protagonistas de prestigio: la célebre turma da Bossa (la banda de la Bossa). Estos son algunos de ellos.

Sylvia Telles
Nació el 27 de agosto de 1934 en Río de Janeiro y falleció, como consecuencia de un accidente automovilístico, el 17 de diciembre de 1966. Tenía 32 años apenas.

Soñó con ser bailarina pero, al realizar un curso de teatro, descubrió su pasión por el canto. Participó en un programa de aficionados que tenía Ary Barroso en Radio Tupí y dio sus primeros pasos en locales nocturnos cariocas. Fue allí donde conoció a Joao Gilberto, quien fue su primer novio. Según las historias, el romance terminó porque la familia de Sylvinha no gustaba de ese bahiano que no hacía nada y vivía gracias a la ayuda de los demás (los padres de la cantante no podían leer el futuro, aunque, ciertamente, en esos años, Joao vivía en departamentos prestados y de la ayuda de los demás). Se casó con José Candido de Mello, abogado y músico con quien condujo, en 1956, en la TV Rio, el programa Música y romance, por donde pasaron, como invitados, figuras como Tom Jobim, Johnny Alf y Billy Blanco y donde ella cantaba acompañada por su marido en la guitarra.

El estallido de la Bossa en 1958 no la sorprendió porque ella ya formaba parte del grupo de intérpretes y compositores que la fueron gestando, de modo que la abrazó con naturalidad y entusiasmo.

Fue una de los participantes principales del espectáculo donde se usó por primera vez en la historia la expresión Bossa Nova. Fue en el club del Grupo Universitario Hebraico donde en la puerta se puso un cartel que decía, simplemente, Hoje, Sylvinha Telles e un grupo bossa nova. Un grupo bossa nova y no un grupo de bossa nova. El término Bossa Nova se usó en ese caso como adjetivo y no para denominar un movimiento del cual, claro, sus protagonistas todavía no eran conscientes. Este show no debe confundirse con el primero enteramente dedicado al movimiento, ya con su nombre correspondiente, que se hizo en septiembre de 1959.

Sylvia Telles realizó además giras importantes por Estados Unidos, Francia, Suiza y Alemania, a principios de los 60.

En 1963 se casó nuevamente, esta vez con el productor discográfico y de espectáculos, músico y autor Aloysio de Oliveira. Ya por entonces había grabado discos esenciales como Amor de gente joven (que incluía sólo canciones de Tom Jobim); Amor de Alta Fidelidad, Sylvia Telles en Estados Unidos y Bossa, balanço, balada, entre otros. La audición de esos trabajos hoy, nos permite recuperar lo mejor de su estilo: su flexibilidad vocal, su capacidad interpretativa, su facilidad para cantar en portugués e inglés, su sentido rítmico y, fundamentalmente, su exquisito gusto.

Su muerte, a los 32 años, fue un golpe terrible para toda la música popular del Brasil, sin distinción de géneros.

Carlos Lyra
El compositor, guitarrista y cantante Carlos Eduardo Lyra Barbosa nació en Río de Janeiro el 11 de mayo de 1939 y sus aportes a la renovación de la música brasileña son importantes. Comenzó a componer solo, después lo hizo con Ronaldo Bôscoli y tuvo también una etapa creativa breve pero muy rica con Vinicius de Moraes. Estuvo también muy vinculado con Roberto Menescal, con quien abrió una academia de música a la cual concurrió, con apenas 14 años, una tímida Nara Leao. En 1959 grabó su primer disco, Carlos Lyra, Bossa Nova. A comienzos de los 60, después de haber presentado su segundo disco, Lyra se fue alejando de la Bossa y se inclinó hacia una música testimonial, comprometida socialmente con la realidad brasileña de la época (como se verá, algo similar ocurrió con Nara Leao). Con el correr de los años volvió a la Bossa y la mayoría de sus presentaciones, dentro y fuera del Brasil, son con el repertorio que lo consagró. Cosa más linda, Tú y yo, Influencia del jazz, Mi enamorada, Maria Moita, Maria Nadie, Lobo Bobo, Barquito de papel y Gusto de ti, son algunos de los clásicos que compuso.

Roberto Menescal & Ronaldo Bôscoli
Se conocieron en 1956 durante una reunión musical en casa de un amigo común. Menescal era guitarrista y tenía su academia de música con Carlos Lyra. Bôscoli era periodista y le gustaba la música moderna. Charlaron bastante esa noche y coincidieron en todo. Resolvieron hacer algo juntos. Bôscoli se integró a la academia y de la academia pasó a las veladas que se hacían en la casa de la alumna Nara Leao y donde se escuchaba esa música moderna que tanto le apasionaba. A comienzos de 1961, cuando la Bossa ya reinaba, Menescal y Bôscoli comenzaron a componer juntos y el mar fue su inspiración mayor: Nos e o mar, Mar, amar, A morte de um Deus de sal, Rio y, fundamentalmente, O barquinho que, grabada por Mayssa, se convirtió en éxito de la noche a la mañana. Hasta el día de hoy Roberto Menescal continúa siendo un incansable difusor de la Bossa en el mundo y ha grabado, como solista o acompañante, decenas de excelentes discos. Entre sus últimos trabajos, podemos mencionar Bossa ever green (Bossa siempre joven) (2000) y Os Bossa Nova (2008), un homenaje en los 50 años del movimiento, grabado junto con Carlos Lyra, Joao Donato y Marcos Valle. El nombre de Bôscoli, ya fallecido, quedó asociado a los Años Dorados y a aquellos primeros espectáculos del movimiento donde habitualmente oficiaba de presentador.

Nara Leao (La única… la Musa)
Nacida el 19 de enero de 1942 en Río, estuvo ligada musicalmente a Menescal y afectivamente a Bôscoli. Como ya hemos dicho, a los 14 años entró en la academia de Lyra y Menescal para aprender guitarra. Fue allí donde conoció a Bôscoli, con quien estableció una relación amorosa. Cuando la academia cerraba, la turma partía hacia el departamento donde vivía Nara con su familia y allí seguían haciendo música. El pianista Luis Eça, el flautista y contrabajista Bebeto y el baterista Hèlcio (futuros integrantes del Tamba Trío), además de Jobim y ocasionalmente Joao Gilberto, eran algunos de los visitantes. La entrada de Nara en la Bossa fue, entonces, natural. Se convirtió en una protagonista de los primeros pasos del movimiento y alguien la denominó, con exactitud, la Musa de la Bossa Nova. Estuvo en el emblemático primer espectáculo de Bossa Nova del anfiteatro de la antigua Facultad de Arquitectura de Río, que reunió sobre el escenario a la turma completa. Su relación con Bôscoli se interrumpió cuando el letrista se casó con Maysa, con quien se había relacionado cuando ella grabó O barquinho. Algunos dijeron que ese fue el motivo por el cual Nara se apartó de la Bossa. Efectivamente, la separación fue traumática, pero lo cierto es que hacia 1964 Nara pensaba “… que se podía hacer la revolución a través de la música popular”, según sus propias palabras. Tal como ocurrió con Lyra en la misma época, Nara se orientó hacia un repertorio testimonial, de denuncia. En su disco Opiniao, que dio origen al show del mismo nombre, incorporó canciones que hablan de la reforma agraria, la vida en las favelas y la situación social de su país. Llegó, incluso, a tener problemas con la dictadura recién instalada en el Brasil pero siguió adelante. Como escribió Ruy Castro, “dejó de ser la mascota de la Bossa Nova para convertirse en la cantora más politizada del Brasil”. En 1970 hizo las paces con el movimiento (tal como ocurrió con Lyra) y grabó un disco doble, Dez anos depois, en el que cantaba las bossas más celebradas (llamativamente -o no- dejó de lado las canciones de Bôscoli quien, en ese año ya estaba casado con Elis Regina). Entre 1981 y 1988 grabó siete discos excelentes (algunos de ellos en Japón donde, de alguna manera, comenzó el re-descubrimiento de la Bossa): Com açucar e com afeto (1981); Romance popular (1982); Meu samba encabulado (1984); Luz da manha (1985); Um cantinho, um violao (1985); Garota de Ipanema (donde finalmente grabó O barquinho de Bôscoli y Menescal) (1987) y Sonhos dourados (1987). En 1989 publicó su último disco, My foolish heart, una suerte de segunda parte de Sonhos dourados, ya que en ambos grabó versiones en portugués de standards norteamericanos (George Gershwin, Cole Porter, Victor Young, Richards Rodgers, etc.). Roberto Menescal era su guitarrista, productor y director musical. En 1979 le habían detectado un tumor en el cerebro. Contra ese mal luchó la última década de su vida. Nara Leao falleció en su ciudad el 7 de junio de 1989. Los años se encargaron de hacerla volver al movimiento en el cual creció artísticamente. La historia la recuerda, más allá de rencillas y desencuentros, como lo que fue: la Musa de la Bossa Nova.

Milton Banana (El ritmo en las sombras)
Pocas reseñas de la Bossa Nova ubican al baterista Milton Banana (Antonio de Souza) en el lugar que le corresponde: creador de la batida bossanovística en la batería. Ese toque, en definitiva, es una simplificación del ritmo de samba (toda la Bossa Nova es un samba renovado, modernizado). Milton lo creó tocando con Joao Gilberto en la boite Plaza de Río, en algún momento de 1957. Si se tiene consciencia de cómo Gilberto entendía la música ya en ese momento, se puede comprender por qué Milton tenía que hacer lo que hizo en la batería. El primer ejemplo de batería Bossa Nova es la versión grabada de Chega de saudade, registrada por Gilberto en 1958 con la participación de Milton Banana. Entre 1965 y 1975, y mientras acompañaba a todos los grandes, Milton grabó 8 discos formidables al frente de sus propios conjuntos. A comienzos de los 80 comenzó su ocaso, no por su responsabilidad, sino porque el negocio de la música había cambiado. Cuando se produjo el renacimiento de la Bossa, primero fuera y después dentro de Brasil, Milton estaba imposibilitado de trabajar por problemas de salud. Incluso sus amigos tuvieron que hacer un espectáculo a beneficio para recaudar fondos en su ayuda. Volvió a los escenarios esporádicamente y, después de sufrir la amputación de una pierna, falleció en mayo de 1999.

Newton Mendonça (El compositor en las sombras)
El de Newton Mendonça es otro ejemplo de personalidades de la Bossa que fueron insólitamente obviadas en las historias del movimiento. Dice Ruy Castro que “… el mayor misterio de la Bossa Nova se llama Newton Mendonça. Cuando murió, a los 33 años el 11 de noviembre de 1960, muchos de los propios integrantes del movimiento advirtieron lo poco que lo conocían. Para la mayoría del público era apenas un nombre asociado al de Tom Jobim en canciones que figuraban en discos de Joao Gilberto o Silvinha Telles. Su fallecimiento mereció apenas una columna en páginas interiores de algunos diarios”. Su historia musical comenzó (como la de Jobim) en los locales nocturnos de Río como pianista. Como compositor, su primer tema relevante, Foi a noite (en parceria con Tom), resultó un éxito en la voz de Sylvinha Telles. Después del 58, siguieron piezas esenciales para el movimiento: Desafinado, Samba de una nota só, Meditaçao y Discussao, todas con Jobim. El método de trabajo de ambos era, por lo general, elaborar en forma conjunta tanto la música como la letra: eran un pequeño equipo. Muchos pensaron en ese momento (y también después) que Mendonça sólo aportaba las letras, lo cual es inexacto. Es probable que su carácter (introvertido, de permanente bajo perfil) haya incidido negativamente. La vida bohemia de Newton (trabajo nocturno, alcohol, cuatro paquetes de cigarrillos diarios) lo llevaron a una temprana muerte como consecuencia de un ataque cardíaco.

(Continuará)

Bibliografía consultada:

• A onda que se ergueu no mar (Ruy Castro, Companhia das letras, 2001)
• Chega de saudade (Ruy Castro, Companhia das letras, 1990)

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La exposición de pinturas de María Elena Lopardo, "Proyección sentimental", podrá visitarse hasta fin de mes.

Con la muestra de la artista plástica María Elena Lopardo inauguramos nuestro espacio de arte en la Biblioteca. Inaugurada el día de la reapertura de la casa, en diciembre de 2009, ahora llega a su fin.

La exposición puede visitarse, hasta fin de marzo, en los horarios de atención al público (lunes a viernes de 16 a 20; jueves de 15 a 19).

Este año en el Cineclub La Rosa tendremos el "Cineclub de los chicos". Será el último sábado de cada mes, a las 11 de la mañana, con entrada libre y gratuita.

Comenzaremos el sábado 24 de abril con Buscando a Nemo, de Andrew Stanton y Lee Unkrich. A lo largo del año iremos compartiendo material tanto para niños como adolescentes y también adultos, porque en definitiva, se trata de seguir viendo buen cine.

Más en http://www.cineclublarosa.blogspot.com/

Nuestra página web ha llegado a las diez mil visitas. Es nuestra forma de comunicar, no sólo las actividades de la Biblioteca, sino también de compartir la cultura a través del arte, el cine, la música, y por supuesto la literatura.

Desde www.carlossviamonte.com.ar abrimos una ventana que permite a miles de personas de todos los continentes puedan saber que en una vieja casa de la calle Austria, en la ciudad de Buenos Aires, hay un grupo de personas que todavía pensamos que todo esto puede hacernos mejores. Gracias por estar, nos seguimos viendo.

de Fred Vargas
(Punto de lectura, Buenos Aires, 2008, 304 páginas)

Llegué a este libro y a su autora, Fred Vargas (Frédérique Audouin-Rouzeau, París, 1957), por un comentario que realizó la prestigiosa escritora Silvia Plager en la revista Ñ del 19/12/2009, en oportunidad de su recomendación en la columna “Si me dan a elegir”: “Es una novela adictiva: sumerge al lector en la sordidez humorística de sus personajes desde el comienzo”.

Y es así, como sostuvo Plager. Sus curiosos y extravagantes protagonistas (un traductor de Bismark, un medievalista, un estudioso de la Primera Guerra Mundial, un investigador de la prehistoria, un viejo ex policía corrupto, un débil mental y una prostituta) le otorgan a la novela un tono burlón y jocoso. Estos individuos poseen mal carácter y rezongan y discuten continuamente entre ellos. Los hombres, además, son solterones.

Ese humor bastante lunático se engarza con una trama policial propia de la clásica novela de enigma, de la que toma sus paradigmas para recrearlos con desenfado.

Varias mujeres son asesinadas en París y tanto la prensa como la policía sospechan de un débil mental que fue visto cerca de las víctimas. Pero está el traductor, ex funcionario del Ministerio del Interior, Louis Kehlweiler, que —a pedido de su gran amiga, la veterana prostituta Marthe, quien crió al infradotado cuando era niño—, se encarga de comprobar si el imputado es inocente o culpable. Es sorprendente el tratamiento literario convincente que recibe este peculiar personaje, con sus razonamientos absurdos y su habla incomprensible (“A él se le mezcla todo en la cabeza, las ideas no hacen cola, y entonces se le precipitan en cualquier dirección”).

Entre los mayores méritos de la escritora Fred Vargas (según el sitio http://www.congresonegro.com/, “uno de los más firmes valores de la narrativa negra francesa de los últimos años”) resalta la construcción de diálogos, perfectamente diferenciados para cada personaje. Otra de sus particularidades es que éstos no se entienden entre sí, motivo que los conduce a iniciar discusiones casi oníricas.

Sin hogar ni lugar evoca a otros dos autores de novelas policiales humorísticas, como Donald E. Westlake y Eduardo Mendoza.

Los razonamientos de Louis —que lleva a veces al sapo Bufo en el bolsillo del saco— son extremadamente sagaces, como al final del libro los de Marc Vandoosler, el medievalista. El engranaje de los crímenes está muy bien explicado y funciona con una precisión de relojería.
En suma, estamos ante una novela fresca, original, altamente divertida, que renueva el puro placer de la lectura. Maravillosa la traducción de Anne-Hélène Suárez Girad.

Germán Cáceres

Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim
El Maestro Soberano
Personaje entrañable de las mesas de bar cariocas, charlador incansable, fumador empedernido, buen tomador, conocedor de la flor y la fauna de su país y pionero en la defensa del medio ambiente, no quiso se arquitecto pero, a partir de los 50, fue el arquitecto de la música moderna brasileña y de la Bossa Nova. Meditación, Insensatez, Corcovado, El amor en paz, Bonita, Desafinado, Sólo bailo samba, Si todos fuesen iguales a ti, Samba del avión, Sabiá, Samba de una nota sola, La chica de Ipanema, Retrato en blanco y negro, Ola de mar, Aguas de marzo, Fotografía, Otra vez, Playas desiertas, Inútil paisaje, Por causa de ti, Años dorados, Gabriela y por supuesto Basta de nostalgias son algunas de las obras que creó.

¿Cuántos compositores en el mundo pueden acreditar una obra de esa calidad melódica y armónica, de esa perfección, de esa belleza? ¿Cuántos en el mundo escribieron medio siglo atrás algo que todavía hoy sigue sonando moderno e innovador? Muy pocos.

Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, Tom Jobim, está al lado de un George Gershwin, de un Astor Piazzolla, de un Cole Porter. No hay, por cierto, en la historia de la música popular de mundo, muchos otros que puedan acceder a ese universo exclusivo de tanta calidad musical.

Tom Jobim nació el 25 de enero de 1925, a las 11 de la noche, en la calle Conde de Bonfim 634, Tijuca, Río de Janeiro y transcurrió buena parte de su adolescencia en Ipanema. Comenzó a estudiar arquitectura pero abandonó para dedicarse a la música. Su madre alquiló un piano para Helena, su hermana menor, pero ella quería dedicarse a la literatura y no a la música. Tom se fascinó con el instrumento y comenzó a estudiar. A los 21 años se convirtió en profesional. A los 26 le grabaron por primera vez una canción: Incerteza. Fue pianista en locales nocturnos primero y músico de sesión y arreglador en los sellos Continental y Odeón, después. Precisamente por estar dentro de una grabadora pudo componer, junto con Billy Blanco la Sinfonia do Rio Janeiro y con Vinicius Orfeu. La consagración definitiva llegó a los 31 años con el estallido de la Bossa Nova. En 1962, a los 36 años, viajó por primera vez a los Estados Unidos para participar del espectáculo A noite da Bossa Nova no Carnegie Hall. Permaneció en ese país y fue uno de los protagonistas de la histórica grabación del disco Getz/Gilberto (el primer encuentro de Joao Gilberto con el célebre saxofonista tenor Stan Getz en cual, además, cantó por primera vez Astrud Gilberto, por entonces esposa de Joao). En 1963 grabó el primer disco con su nombre: Antonio Carlos Jobim, the composer of Desafinado, plays. Un año después llegó The wonderful world of Antonio Carlos Jobim donde superando sus dudas, cantó por primera vez, además de tocar piano y guitarra. En 1967 Frank Sinatra lo convocó para grabar todo un disco con él y así nació el magistral Francis Albert Sinatra y Antonio Carlos Jobim. Su música ya era muy conocida, y requerida, por los más importantes cantantes y músicos norteamericanos. En los Estados Unidos además de grabar todos sus discos, pudo ocuparse de sus negocios, recuperando los derechos de autor de sus canciones de los que se habían apropiado editores y malos traductores al inglés de sus letras. Si bien la consagración lo obligó a permanecer mucho tiempo en el exterior, Jobim siempre regresaba a su Río de Janeiro para reencontrarse con las raíces, con las fuentes de su inspiración, con la exuberancia del Jardín Botánico cerca de su casa (donde pasaba horas contemplando la naturaleza) y con sus amigos, con quienes acostumbraba reunirse en la churrascaria Plataforma. En los últimos 10 años de su vida, al frente de la Banda Nova, recorrió el mundo.

Murió en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York hacia las 10 de la mañana del 8 de diciembre de 1994.

En la notable biografía que escribió, su hermana Helena cuenta que ese 8 de diciembre, el ascensor del edificio donde Tom tenía su departamento neoyorquino, subía sin que nadie lo llamara y se detenía invariablemente en el piso 22, donde vivía Jobim. Esa subida se repitió por horas, sin que el encargado del edificio pudiera detectar el problema.

Vinicius de Moraes
El poeta diplomático
Sin ignorar o disminuir el lugar que otros autores ocupan en la letrística del movimiento, Vinicius de Moraes es el poeta de la Bossa Nova.

Probablemente haya sido el primero en comprender que la modernidad y levedad de la nueva música necesitaban versos acordes, y que todo Brasil vivía un tiempo distinto, promisorio, que había que acompañar desde la canción. Tenía la formación literaria para emprender los cambios (antes de dedicarse a la canción popular ya había publicado, entre otros libros, Forma e exegese, 1935; Novos poemas, 1938; y Cinco elegias, 1943). Escribió la letra de Chega de saudade y fue responsable de los versos de muchas canciones inmortales: La chica de Ipanema, Ella es carioca, Si todos fuesen iguales a ti, Cosa más linda e Insensatez, entre muchas otras. Con el guitarrista Baden Powell compuso la notable serie Os Afro Sambas, otra vuelta de tuerca en los procesos musicales novedosos de la década del 60. Samba em prelúdio, So por amor, Berimbau, Canto de Ossanha, Canto de Xangó y Labareda pertenecen a ese período.

Vinicius, un diplomático en ejercicio que hacía delicados equilibrios entre los códigos que imponía su cargo y las delicias de las noches cariocas (en 1968 terminó siendo expulsado del Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil), se convirtió él mismo en cantante-decidor y protagonizó célebres espectáculos que hicieron historia. Como el recordado show en Au Bon Gourmet de Río, en agosto de 1962, con Joao Gilberto, Tom Jobim y Os Cariocas, donde tuvieron su estreno mundial cinco de los mayores clásicos: So danço samba (Tom/Vinicius), Samba do aviao (Tom), Samba da bençao y O astronauta (Vinicius/Powell) y la excepcional Garota de Ipanema (Tom/Vinicius) que se convirtió en el mayor éxito internacional de la Bossa. Fue también un incansable viajero por el mundo, difundiendo la música de su país.

Vinicius en la Fusa, editado por el sello Trova, es el disco de música brasileña más vendido en la Argentina. Allí, acompañado por Toquinho (su parceiro preferido en los últimos años de su vida) y María Creuza, recorre un repertorio bossanovístico y de MPB con toda su gracia, simpatía, calidez y autoridad.

Su libro Para vivir un gran amor (Ediciones de la Flor) fue también un gran éxito en nuestro país, donde se convirtió en una figura muy querida y respetada gracias, además, a sus frecuentes visitas.

Carlos Drummond de Andrade decía: “Vinicius es el único poeta brasileño que osó vivir bajo el signo de la pasión, esto es, de la poesía en estado natural”. El propio Vinicius se definía como “un laberinto en busca de una salida”.

La poesía de Vinicius exhibe la percepción del lado oscuro de la condición humana y el coraje de enfrentarlo. El misterio, la pasión y la muerte son sus temas fundamentales. Al convertirse en protagonista de la Bossa y la Música Popular Brasileña, al casarse nueve veces y estar siempre enamorado del amor, al pasarse la vida viajando, primero por la diplomacia y después por el arte, Vinicius ejerció la pasión y vivió en estado natural la poesía, como dijo Drummond de Andrade.

Marcos Vinicius da Cruz a Mello Moraes nació el 9 de octubre de 1913 en la calle Lopes Quintas 114, barrio de Gavea, Río de Janeiro. Falleció en la misma ciudad y en el mismo barrio, el 9 de julio de 1980.

Guillermo Fuentes Rey

(Continuará)

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Bibliografía / Fuentes

• Chega de saudade (Ruy Castro, Companhia das Letras, 1990)
• O onda que se ergueu no mar (Ruy Castro, Companhia das Letras, 2001)
• Antonio Carlos Jobim. Uma biografia (Sérgio Cabral, Lumiar, 1997)
• Antonio Carlos Jobim. Um Homem Iluminado (Helena Jobim, Editora Nova Fronteira, 1996)
• 50 años de Bossa Nova (Guillermo Fuentes Rey, ciclo dedicado al género, FM Urquiza, 2008/2009)

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El 9 y 10 de abril, con dos funciones en homenaje al realizador argentino Teo Kofman, recientemente fallecido, comenzará la temporada 2010 del Cineclub La Rosa.

Emilio Bardi, protagonista de Perros de la noche

Con el "Ciclo homenaje a Teo Kofman" dará comienzo el cuarto año del Cineclub La Rosa, en el Centro Cultural y Biblioteca Popular Carlos Sánchez Viamonte, Austria 2154. Como siempre, con entrada libre y gratuita.

El viernes 9 de abril a las 20 hs. proyectaremos Perros de la noche (Argentina, 1986), ópera prima de Kofman basada en la recordada novela homónima de Enrique Medina, quien presentará la película.

El sábado 10, también a las 20 hs., veremos Adiós a los niños (Francia, 1987), de Louis Malle, uno de los realizadores más admirados por Kofman, en una de sus películas más recordadas. Esta función se realizará con proyección en 16mm, junto con el Cineclub Dynamo y con el auspicio de la Embajada de Francia.

Kofman, junto a Osvaldo Pugliese

Teo Kofman nació el 3 de diciembre de 1940. A lo largo de su extensa trayectoria en la industria cinematográfica (a la que sumó su larga carrera docente) fue ayudante y asistente de dirección de Luis García Berlanga, Mario Camus, Rodolfo Kuhn, Néstor Paternostro, Mario Sábato, Héctor Olivera, Alejandro Doria, Sergio Renán, María Luisa Bemberg y Pino Solanas, entre otros.

Entre sus trabajos como director pueden citarse Perros de la noche (1986), Los corruptores (1987, co-producción entre Argentina y Brasil), un largometraje con Julio Bocca (no estrenado), la miniserie El jardín de los infiernos (Canal 9) y el cortometraje, Ricardo Feliu... de aquí y de allá (2009).

Recibió el Premio Nacional por el libro cinematográfico (producción 1983-1986), otorgado por la Secretaría de Cultura de la Nación, dependiente del Ministerio de Educación y Justicia; Cóndor de Plata al mejor guión adaptado, otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina; Premio Argentores a la mejor obra en su género, otorgado por la Sociedad de Autores de la Argentina; y Premio Mutisia Dorada al mejor director, todos por Perros de la noche.

Kofman falleció en Buenos Aires el 18 de noviembre de 2009.

Más información: http://www.cineclublarosa.blogspot.com/

Ante un salón colmado, la cantante y actriz se presentó en nuestra Biblioteca para conmemorar el día de la mujer evocando las figuras de Alicia Moreau de Justo, Édith Piaf y Alfonsina Storni. De yapa, nos dedicó un par de temas.

La gente comenzó a llegar a la Biblioteca con más de una hora y media de anticipación, previendo que la noche sería especial. Nos vimos sorprendidos cuando a falta de treinta minutos ya casi no quedaba más sitio. Cuando ingresó Marikena Monti la gente de pie le daba calor a nuestro salón.

"Una mujer... tres mujeres" fue el título de su exposición, que comenzó con una referencia al Día Internacional de la Mujer y sus luchas, sus obreras perseguidas, su sentido de ser. Luego, el recorrido fue a través de la vida y recuerdos de Alicia Moreau de Justo, Édith Piaf y Alfonsina Storni.

En un respetuoso silencio el público fue siguiendo el relato de sus biografías junto a las vivencias personales que Monti vivió a través de ellas. Así, la anécdota de cuando le cantó a Alicia a capella, el recuerdo del disco de Piaf que su madre le regalara en su juventud o los esfuerzos por ahondar en la profunda obra de Alfonsina para transformarla en canciones.

En medio, unas estrofas del clásico del Gorrión de París, "Non, je ne regrette rien", y el final con "Bien pudiera ser", de Alfonsina Storni, para cerrar la noche con aplausos.

Guillermo Fuentes Rey, Marikena, Atilio Orsi y Emiliano Penelas

Los videos

Para ver más videos propios: www.youtube.com/csviamonte