El domingo 2 de diciembre a las 17 horas repetimos la Caravana de cuentos en nuestro salón de Austria 2154. Eleonor Muchnik, Adán Cantilo, Diego García Ruiz y Andrea Vespa contarán con música y literatura, historias para chicos desde los cuatro años. Bono contribución $ 20, jubilados $10 y bono 4x3.


Cuatro que cuentan, Cuatro que cantan...

La música se apodera del aire... con flauta traversa y voces

Los mundos sin fronteras: ALLÍ HABITAN LAS LEYENDAS

VUELAN, VIAJAN Y LLEGAN

ATENCIÓN, ATENCIÓN

¡LA CARAVANA DE CUENTOS YA LLEGÓ!

de Matías Santellán-Serafín
(Ediciones de la Flor, Buenos Aires, 2012, 88 páginas)


Esta novela gráfica mereció la primera edición del Premio Ñ de Historieta 2012, con un jurado integrado por Horacio Altuna, Juan Sasturain, Juan Carlos Kreimer, Fernando Calvi y Diego Marinelli. La misma dupla de guionista y dibujante ganó en 2011 con Residuos Circulares el Primer Premio del Crack Bang Boom, de Rosario. En el prólogo, el nombrado Sasturain manifiesta: “...cabe señalar como uno de los mayores méritos de Reparador de sueños la elección de un inusual tono lírico, intimista, adecuado a la hermosa historia menor de personajes sensibles sin vocación heroica...”

Cacho –un fanático del mate- posee un pequeño taller barrial donde ejerce su oficio de mecánico que repara sueñomotores en la ciudad de Polenia, cuyo diseño y organización política traen a la memoria Metrópolis (1927), el notable filme de Fritz Lang, o el más cercano Blade Runner (1982), de Ridley Scott. Sus habitantes se han convertido en autómatas humanos manipulados a través de los sueños por el gobierno totalitario del Triángulo Real, que proclama por intermedio de uno de sus miembros: “Para que los ciudadanos puedan acceder hoy a la más absoluta de las felicidades...basada en la pureza de la geometría y en la solidez imponente del acero mecánico”. Así, se considera nocivo el sueño natural, de modo que la población sólo tiene derecho a recordar los fragmentos permitidos y debe sepultar sus fantasías e ilusiones. O sea, impera una censura onírica, y la narración adquiere por ello un sesgo freudiano. El clima de angustia y opresión aplasta a los ciudadanos a la manera de 1984, la novela que George Orwel escribió en 1947/1948, o a la que propone Ministerio (1986), de Ricardo Barreiro y Francisco Solano López. Pero todo se complica en este universo regimentado cuando Cacho y su clienta Elizabeth se enamoran.

Matías Santellán (1981) ha desarrollado con talento narrativo una trama inteligente y plena de matices. Además, sus textos exponen una bella prosa poética que luce también un gran poder de síntesis. Hay en su escritura un tono melancólico que enriquece esta original y superlativa obra distópica.

Por su parte, Pablo Guillermo Serafín (1976) –colaborador del sitio y editorial La Duendes- despliega una figuración en blanco y negro magnífica, apoyada en un plumeado impecable. Sus audaces composiciones elaboran imágenes de potente belleza. El diseño de página es armonioso y las viñetas despliegan múltiples planos.

En definitiva, Reparador de sueños es una hermosa historia de amor, en la cual soñar equivale a amar.

Germán Cáceres

El Cineclub La Rosa celebra su más reciente adquisición con la proyección de dos clásicos franceses en 16mm: Cero en conducta, de Jean Vigo, y El silencio del mar, ópera prima de Jean-Pierre Melville. Todo con entrada libre y colaboración voluntaria el domingo 18 de noviembre a las 18:30 horas en Austria 2154.


CERO EN CONDUCTA
(Zéro de conduite, Francia, 1933, blanco y negro, 41 minutos)
Dirección, producción, guión y montaje: Jean Vigo.
Elenco: Louis Lefebvre, Gilbert Pluchon, Gérard de Bédarieux, Constantin Goldstein-Kehler, Jean Dasté y Robert Le Flon.


La película trata exhaustivamente las experiencias escolares del propio director, para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título se refiere a la calificación que el chico obtendría y que le impediría salir en domingo.


La película, además, tuvo una gran influencia en los autores de la Nouvelle Vague, especialmente en François Truffaut, quien le rendirá homenaje en Los 400 golpes.


EL SILENCIO DEL MAR
(Le silence de la mer, Francia, 1949, blanco y negro, 83 minutos)
Dirección y producción: Jean-Pierre Melville.
Guión: Jean-Pierre Melville, basado en la novela de Vercors.
Elenco: Howard Vernon, Jean-Marie Robain, Nicole Stephane, Georges Patrix, Ami Aaroe y Denis Sadier.

En una pequeña ciudad de la Francia ocupada de 1941 un oficial del ejército alemán, Werner Von Ebrennac (Howard Vernon), se aloja en casa de una peculiar pareja en la que se encuentran sobrina y tío (Jean-Marie Robain). Este último ha tomado la determinación de no dirigirle la palabra; acepta la situación de los invasores pero no quiere ninguna relación con ellos.

Sin embargo, la sobrina (Nicole Stéphane), aunque respeta dicho silencio, parece abstraída totalmente con los soliloquios sobre música, política, arte o humanidades que desarrolla el oficial alemán al regresar cada día a casa.

La ópera prima de Melville está basada en un pequeño relato de 1942 de Vercors, seudónimo con el que publicó Jean Bruller.






Función realizada con el apoyo de la Embajada de Francia en la Argentina y el Institut Français.

Más información: www.cineclublarosa.blogspot.com

El viernes 16 de noviembre a las 19 horas se presentará en nuestro salón, Austria 2154, el ensayo Pensar el presente, de José Mateo Ciampagna, editado por Maciam Editora.


Participará del encuentro el licenciado y especialista Héctor R. Marteau, integrante del IUNA, profesor de las universidades nacionales de Mar del Plata, Tres de Febrero, Salta y La Plata.

Ciampagna es profesor y licenciado en filosofía, fue docente en los niveles medio y superior y también incursionó en actividades como las de editor y periodista.

En este libro aborda la problemática del sujeto, de la subjetividad y de la cultura, en el marco de la crisis de la modernidad tratando de tomar distancia de lo que se conoce como pensamiento eurocéntrico.

Los temas que se desarrollan en sus páginas tienen sus raíces en interrogantes, que se vienen planteando desde los comienzos de la modernidad y persisten en la actualidad.

Uno de ellos es ¿por qué cambiaron tan drásticamente durante el siglo XVII las preocupaciones intelectuales en Europa? Otro está referido a ¿cómo se relacionó este nuevo enfoque intelectual con la generalizada crisis social y económica de entonces? Desde esas preguntas el autor inicia un recorrido que nos trae a los cuestionamientos actuales.

Exponer algunas de las cuestiones, que la problemática del sujeto y de la crisis de la subjetividad genera como desafío central y permanente, lo que Foucault -retomando a Kant- llamó el problema del presente, es el propósito de este libro que será presentado el viernes 16 de noviembre en Austria 2154 a las 19 horas.

Tenemos el agrado de invitarlos al octavo y último concierto de "Música en la Biblioteca", que se llevará acabo el sábado 24 de noviembre a las 20 hs, en nuestro salón de Austria 2154.

de Laurent Binet
(Seix Barral, Buenos Aires, 2012, 392 páginas)


El mismo autor se encarga de ilustrar el significado del enigmático título de su novela: “HHhH, dicen en la SS: Himmlers Hirn heisst Heydrich, el cerebro de Himmler se llama Heydrich”. Y elige, entre la monstruosa camarilla que acompañó a Hitler en su campaña asesina, a Reinhard Heydrich (apodado “el verdugo de Praga”, “el carnicero”, “la bestia rubia”) para trazar su biografía. Pero aunque gran parte del libro está dedicada a este siniestro personaje -el ideólogo de la Solución Final, que se proponía exterminar a once millones de judíos-, la novela es muchas cosas más.

Binet afirma que ante todo el libro anhela homenajear a dos héroes, el eslovaco Josef Gabĕík y el checo Jan Kubiš, paracaidistas que al consumar el 27 de mayo de 1942 el histórico atentado que le costó la vida a Heydrich., concretaron una de las más grandes proezas de la Segunda Guerra Mundial: “...han hecho falta casi ocho horas y ochocientos SS para acabar con siete hombres” (entre ellos los nombrados Gaběik y Kubiš). Este tramo está narrado como si se hubiera filmado en cámara lenta para obtener, así, un superlativo suspenso cinematográfico.

La historia representa todo un tema para Binet. Entrevistado por Silvina Friera (Página/12-14.9.2012) declaró: “En el conflicto entre la Historia y la literatura, me sentía más del lado de la Historia” (...) “Quise contar una historia real como una novela, utilizando todas las herramientas de la novela, salvo una: el recurso de la ficción”. Porque opina que si un hecho se desconoce no es lícito imaginarlo, se debe preservar la verdad, aunque en el fondo ésta resulte inasible.“Yo desconfío mucho de la literatura. Me gusta poner nuevamente la literatura en su lugar, es decir que sea una de las herramientas más poderosas del mundo. Pero sigue siendo una herramienta: la literatura no es un fin en sí”.


Además, aprovecha su exhaustiva investigación para referir la decepcionante capitulación de Francia e Inglaterra ante Hitler, al que prácticamente entregaron Checoslovaquia, dándole alas a su afán imperial. Y cita palabras de Churchill, en ese entonces miembro de la Cámara de los Comunes: “Teníais que escoger entre la guerra y el deshonor. Habéis escogido el deshonor. Tendréis la guerra”.

HHhH aborda una época de la historia a través del lenguaje literario, trabajo que le demandó al escritor diez años y para el cual recurrió a una bibliografía que parece ser infinita.

Pero también rinde culto a Praga (“la ciudad más bella del mundo”), de la que está enamorado y en la que ha residido. La descripción de sus encantos es tan vívida que el lector (la haya visitado o no) se siente acosado por una irresistible compulsión a recorrerla tomando como guía esta novela.

Binet narra en primera persona asumiéndose como el autor de HHhH, hecho que lo lleva a dialogar con el lector acerca de las dificultades y dudas que debió afrontar. Su prosa es ágil, fresca, da la sensación de que está escrita espontáneamente. Las frases cortas brillan por sus acrobáticos giros y sus sesudas reflexiones. La novela está estructurada en capítulos breves de ritmo sostenido, que permite a la narración avanzar con énfasis y paso firme. Todo en ella provoca que el lector se enganche y quiera leer el libro de un tirón.

Precisa y muy profesional la traducción de Adolfo García Ortega.

HHhH es la primera novela de Laurent Binet (París, 1972) y recibió el premio Goncourt en esa categoría.

Germán Cáceres

Este libro forma parte del catálogo de la Biblioteca. Siendo socio puede retirarlo para su lectura.

de Alberto Breccia
(Doedyeditores, Buenos Aires, 2011, 64 páginas)



“El gato negro” es –de acuerdo al excelente prólogo de Fernando Ariel García- “una de las narraciones más emblemáticas y reconocidas de Poe”. En ella, Alberto Breccia (1919-1993) introduce la estética de la pintura dentro de la historieta (es de 1983), que, al absorberla y hacerla suya, se enriquece artísticamente. Cada viñeta es un primor visual: partiendo de las ensoñaciones de Poe, el dibujante elige la representación bidimensional para desarrollar su propia pesadilla, que ya había preanunciado en Mort Cinder (1962). Apenas emplea globos, sólo textos en primera persona que señalan el alma atormentada del protagonista. Los interiores se muestran sombríos y cargados de horror, angustia y desesperación, mientras en los exteriores, pese a su deformación tortuosa, Breccia plasma hermosas imágenes de paisaje urbanos. Por su parte, los colores esfumados y borrosos desarrollan una ambientación onírica, casi fantasmal.

García sostiene que en “El extraño caso del Sr. Valdemar”, el escritor estadounidense se apoyó en los “postulados sostenidos por el físico alemán Franz Mesmer”. Es tan apagado el colorido que parece que los dibujos van a evaporarse y desaparecer, como la vida del Sr. Valdemar. De este modo la historieta (de 1992) se sumerge en un terror existencial que deviene muerte: la cara con rasgos cadavéricos de Valdemar resulta escalofriante. Las viñetas están pintadas con una concepción no figurativa, a la que se le adosaron dibujos: puede parecer el storyboard de un filme expresionista alemán.

Las técnicas mixtas de acuarela, acrílico y tinta china que se aplicaron en los cuentos anteriores, se intensifican al máximo en “William Wilson” (1979; la adaptación es de Guillermo Saccomanno). La acción se traslada a Mataderos y ocurre durante el carnaval. La distorsión de ese barrio y de los personajes es acentuada: la figuración se vuelve macabra y obsesiva y va adquiriendo ribetes alucinantes. William Wilson exclama “...desciendo hacia el vicio y la degradación...hacia el abismo de la destrucción. Hacia el fondo del mal”.

“La máscara de la Muerte Roja” (1983) se destaca por el constante uso de texturas y veladuras que desembocan en una fragmentación de formas.

El color deja paso al blanco y negro en “El corazón delator” (1975), en el cual sólo aparecen textos en primera persona. El artista considera a esta historieta como “una de mis adaptaciones más logradas (...) Acabé eligiendo una solución cinematográfica, o sea un ritmo narrativo propio del cine”. Tal vez Breccia haya visto esa joya de la animación que en 1953 realizó sobre el cuento el estudio UPA, famoso por sus cortos de Mr. Magoo.

Este libro de Alberto Breccia es una indiscutible obra de arte, una de las cumbres más altas del género.

Germán Cáceres

El lunes 5 de noviembre a las 10 de la mañana, el Centro de Estudios Poeticos "Aletheia", dirigido por Graciela Maturo y coordinado por Alejandro Drewes, llevará a cabo una nueva reunión en nuestra Biblioteca, Austria 2154: "Las Vanguardias Artísticas del siglo XX. El Expresionismo alemán", a cargo de Ofelia Funes.

de Guillermo Saccomanno y Domingo Mandrafina
(Doeyditores, Buenos Aires, 2011, 128 páginas)


Claudio Díaz comenta en el prólogo: “Luego supe que esa historieta estaba escrita por Guillermo Saccomanno y que los dibujos eran obra de Domingo Mandrafina. Pero para mí, quien contaba las historias era Clouzot, el Condenado. Era su voz la que me relataba los hechos, era su imagen la que protagonizaba sus vivencias. Era un personaje real. “ Y, en efecto, se tiene la sensación de que los sucesos son verídicos, de que se están leyendo las memorias de Marcel Clouzot, que se erigen en auténticos monólogos representados a través de la tipografía de una máquina de escribir. El suspenso es permanente y el lector se siente apresado por saber qué pasará. Además, cada aventura se inicia con una viñeta que parece una fotografía de Clouzot. Este mismo procedimiento Mandrafina lo repite en otros cuadritos.

Así, la saga principal del libro, “Los hombres de Carol”, participa del tono melancólico de la novela El largo adiós (1953), de Raymond Chandler, y del filme Casablanca (1942), de Michael Curtiz. Y hay frases y reflexiones muy interesantes: “La policía se inventó para cuidar a los ricos”/”Los dos pensábamos en lo mismo. En el pasado, en que el pasado siempre es presente”/ “La vida se parece con frecuencia a un melodrama”/ “Pero el destino tiene escrita otra suerte distinta a la que imaginamos”.

Se crea un clima romántico alrededor de la empatía que surge entre Clouzot y Carol, una prostituta de alto vuelo que lo contrató como valet, chofer y guardaespaldas. Ella tiene un hijo, Jimmy, y Clouzot medita: “Si alguien nos miraba desde lejos pensaría en un cuadro impresionista. El sol, los reflejos en el agua, la brisa cálida. Porque a nadie se le ocurriría pensar que éramos una puta, un ex presidiario y un bastardito”. Los tres personajes adquieren una conmovedora dimensión humana, ya que forman un trío de perdedores natos.

El libro ofrece como bonus un episodio de acción,”La tormenta del Dark Lady”, cuyo guión permite al dibujante lucirse con las peleas a bordo y, además, con las escenas del barco asolado por las olas.

Los contrastes de blancos y negros puros, tan peculiares del estilo de Mandrafina (que traen a la memoria a Raymond y a Caniff) despliegan, junto a una diestra planificación que intercala primeros planos con generales, un estupendo placer visual. El artista demuestra su destreza caligráfica tanto con la pluma como con el pincel.

Excelente la prosa de Saccomanno, propia del gran escritor que es. Los diálogos son breves y convincentes, y los globos que aparecen en off resultan funcionales. Su guión utiliza la elipsis con suma inteligencia narrativa.

de Chelo Candia
(La Duendes, Comodoro Rivadavia, 2012, 78 páginas)


“El Bondi, según su autor, es un policial...yo diría que es mucho más. Es un relato que rompe con la linealidad predominante en el género”, apunta Roberto von Sprecher en el prólogo. Y tiene razón: esta excelente novela gráfica puede también entenderse como una historieta de acción pura, propia de un thriller cinematográfico.

Chelo Candia –guionista y dibujante- maneja con maestría el suspenso y capta la atención del lector con un procedimiento clásico pero seguro –si se lo emplea con sagacidad, como en este caso-: el último cuadrito de cada página plantea siempre un interrogante.

La historia corre en un principio por dos líneas paralelas: mientras una chica es interrogada en una comisaría, un flashback muestra lo ocurrido en el colectivo del título. Numerosos giros de la acción desarrollan otros episodios simultáneos, y aparecen distintas versiones de los acontecimientos, que generan una ambigüedad que mantiene en vilo al lector. La narración es ágil e imaginativa, y continuamente surgen nuevos hechos que se van enhebrando, para lo cual resulta fundamental el lúcido uso de la voz en off. Además van surgiendo inesperados personajes y los ya conocidos revelan facetas ocultas. La trama está hilvanada con perspicacia y todo cierra a la perfección.

El Bondi es una de esas historietas en las cuales la narración impone su potencia, y entonces el dibujo omite todo preciosismo para adquirir sesgos rústicos de indudable vigor. Candia es expresivo y personal en su grafismo. Asimismo, los cambios de planos están trabajados con soltura y eficacia.

Un epílogo da cuenta de las escenas suprimidas explicando los motivos, refiere los orígenes de esta historieta y añade dos posibles finales.

Como elogio de este estupendo libro, nada más oportuno que citar el comentario que realizó Andrés Valenzuela el 26/8/2012 en Página/ 12: “Un guión inteligente sostiene el buen trabajo gráfico que hace de Candia uno de los autores más sólidos de su generación”.

Germán Cáceres

OCTUBRE
(Oktyabr, URSS, 1928, blanco y negro, 100 minutos)
Dirección: Sergei Eisenstein.
Elenco: Nikolay Popov, Vasili Nikandrov, Layaschenko, Chibisov,    Boris Livanov, Mikholyev,     Nikolai Padvoisky y Smelsky.

Con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre, Eisenstein planeó una maravillosa reconstrucción de los acontecimientos ocurridos a lo largo de 1917. Como en La huelga y El acorazado Potemkin, el realizador soviético vuelve a realizar una película sin apelar a protagonistas individuales sino a la masa que fue parte de uno de los hechos históricos más importantes del Siglo XX.

Rápidos movimientos, un ritmo de montaje arrollador e intensas secuencias de acción hacen de Octubre una obra maestra del cine mudo, que no se estrenaría hasta 1928 debido a la presión de algunos grupos influyentes, que además obligaron a recortar algunas escenas.

Más información: www.cineclublarosa.blogspot.com

de María Paula Mones Ruiz
(Vinciguerra, Buenos Aires, 2010, 84 páginas)


En la contratapa del libro Marta de París comenta: “La lectura merece ser disfrutada por la fuerza de su belleza, las descargas y emociones que acunan el éxtasis y los sentidos de la vida en su más pura expresión de entrega”.

Este poemario consta de cinco partes. La primera -“Hambrienta, desnuda, descalza”- se erige en una apasionante celebración de la poesía (“es quien me bautiza cada día/ cuando ambas nos bañamos en el agua de la Luz”), cuya esencia evoca el hermoso vuelo de las aves. Otra de las obsesiones que aparece es el miedo, al cual, según la autora, se lo combate con la emoción poética. Los versos, hondamente espirituales (“La melancolía/ entonces/ brillará en cada hora/ como las lágrimas jugando a la escondida”), revelan una profunda inspiración y exhiben creativas y sensibles imágenes interiores (“gritos helados y encendidos de silencio/ chispas de una fogata de sueños esqueléticos/ entibian a la noche blanca, pálida de miedo”). Con Avepoesía la escritora también emprende una decidida búsqueda de sí misma. Y, a la manera de Oliverio Girondo, la tipografía de los versos se distribuye formando equilibradas y armoniosas composiciones visuales.

En la segunda parte -“Al acecho de tu luz”- aborda el tema de la muerte de su hermano con un lirismo desgarrado: “Vivas o sueñes, duermas o despiertes/ siempre está al acecho de tu luz”.

Un sentido “Homenaje a Rosa María Sobrón” tiene lugar en la tercera parte. Compartía con su amiga poeta los cálidos almuerzos que se describen en una conmovedora carta: “El lugar de siempre”.

“Ojos músicos” se titula la cuarta parte, que, de acuerdo al prólogo de Graciela Maturo, está “teñida de femenina afectividad y referida al anuncio de la natural certeza y necesaria renovación de vida a través del rol de abuela”. María Paula Mones Ruiz considera que estos mensajes dirigidos a sus nietos son a la vez poemas y cuentos.

La quinta parte -“Acrobacias del silencio”- la dedica con suma ternura a sus padres: “Las madres y la poesía/ son únicas y eternas. /Viven por nosotros. / Y por ellas, somos/ agonistas”.

Este bello libro recibió la Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores Poesía 2011.

Germán Cáceres